Sylvia Roustant <syroustant@gmail.com>	09:19 (il y a 39 minutes)
À moi

Malgré la forme circulaire de cette huile sur panneau, il y a quelque chose qui ne tourne pas rond dans cette oeuvre de Bosch !

Peinte en 1494, elle met en scène une lithotomie (en grec lithos signifie la pierre), c’est-à-dire une trépanation destinée à extraire du cerveau du patient une pierre, responsable de sa folie. Âme sensible, s’abstenir !

Et pourtant, ce n’est pas dans la tête du patient que cela ne tourne pas rond selon Bosch. C’est le monde qui est devenu fou, d’où la forme circulaire de l’image. Le monde qui croit aveuglément aux supercheries des charlatans et même des religieux !

Le médecin, un barbier « tailleur de pierre » qui incise le crâne de sa crédule victime, porte un entonnoir renversé sur la tête. Cet entonnoir qui deviendra plus tard le symbole du fou est alors sur la tête de celui qui le soigne. L’entonnoir est normalement le symbole des connaissances que le savant déverse dans le cerveau de ses disciples. Mais ici il est à l’envers indiquant que le savoir est fallacieux. Le livre fermé et en équilibre sur la tête de la religieuse a la même signification. Religieux et charlatan participent à la même tromperie : le moine tenant une aiguière peut-être remplie de vin, conformément au cliché du moine ivrogne, semble prêcher les bienfaits de l’opération. L’anticléricalisme de Bosch est sans doute inflencé par les courants préparant la Réforme qui se développent alors en Flandres.

Le patient nous lance un regard plein d’inquiétude. La bourse qu’il porte à son côté suggère la véritable raison de cette opération : le chirurgien et le clergé en veulent à son argent ! 

Et regardez comme Bosch dénonce la supercherie : ce n’est pas une pierre que l’on extrait de sa tête mais une fleur, sans doute un nénuphar plutôt qu’une tulipe, fleur qui n’apparaît en Europe qu’au XVIe siècle.

Si les peintres à avoir représenté cette terrible opération sont nombreux, ils nous trompent à leur tour car il semble qu’elle n’ait en réalité jamais été réalisée. 

La duperie est un thème cher à Bosch qui l’a également représenté sur son tableau « L’escamoteur »… où se trouve aussi un moine. Pour découvrir le secret caché derrière cette autre oeuvre de Bosch, rendez-vous sur la page : https://lesecretderriereletableau.fr/lescamoteur-jerome-bosch

Et comme plus on est de fous, plus on rit, retrouvez « La lithotomie » de Bosch et bien d’autres œuvres qui mettent en scène la folie dans l’exposition « Figures de fous du Moyen-Age aux Romantiques », actuellement au Louvre.

Où voir l’œuvre : Musée du Prado, Madrid.

Approchez, approchez, braves gens, et apprêtez-vous à assister à un spectacle qui requiert toute votre attention !

Un bateleur est arrivé en ville. C’est un forain, un homme étranger à la ville, et le mur derrière les personnages le rappelle. Le bon bourgeois s’en méfie et en est curieux à la fois. Son chapeau haut de forme évoque déjà celui des magiciens, à moins qu’il ne rassure le bourgeois (souvenez-vous l’époux Arnolfini de Van Eyck avait le même !). 

Il a déployé ses tréteaux pour nous jouer un tour d’escamotage. Devant lui, des godets, des muscades, ces petites boules utilisées dans les tours de passe-passe, et une baguette (magique ?). Comme au bonneteau, l’escamoteur propose, pour de l’argent, de deviner sous quel godet est cachée la muscade et trompe notre regard par la rapidité et l’habileté de ses gestes.

Le bateleur a plus d’un tour dans son sac : regardez l’intérieur de son petit panier. C’est une chouette, symbole de la sagesse dans l’Antiquité, mais animal plus inquiétant au Moyen-Âge. Associée à la nuit, elle voit quand nous ne voyons pas. Et ce n’est pas tout, un chien attend, déguisé en fou du roi. Tout à l’heure, vous verrez, bonnes gens, il sautera dans le cerceau posé contre les tréteaux.

Mais en attendant, observez la table. La disposition des objets y évoque un visage, la muscade sur le godet blanc un œil, la pupille de l’autre godet est dans les mains de l’escamoteur qui, à n’en pas douter, manipule notre regard.

Et les badauds sont nombreux, attitrés par le spectacle. L’un d’eux penchés au-dessus des tréteaux est comme médusé, une grenouille au bord des lèvres, une autre déjà sortie, sur la table. Au Moyen-Âge, les grenouilles renvoient au mensonge et au mal. Dans l’Apocalypse de Saint-Jean, des grenouilles s’échappent de la bouche du faux prophète. 

Mais le tour n’est pas seulement du côté de l’escamoteur, il est aussi du côté du public. Regardez l’homme derrière le personnage penché. Tout en levant innocemment les yeux au ciel, il est en train de lui voler sa bourse, profitant du fait que tous les regards se fixent sur le tour de passe-passe.

Tous les regards ? Pas tout à fait. Un enfant observe le badaud penché sur la table. Ses yeux plissés sont-ils interrogateurs ou rieurs, comme le suggère le léger sourire qui se dessine sur ses lèvres ? A-t-il compris, lui l’enfant censé être naïf, que le badaud à ses côtés est en train de se faire duper ? Et puis, regardez à droite du voleur, un homme d’un geste discret semble designer le voleur à la femme à côté de lui… mais elle paraît peu intéressée. Quand des personnages regardent le bateleur, d’autres regardent le ciel, préférant Dieu à ses amusements profanes. La religieuse jette, quant à elle un regard courroucé, au bateleur, rappelant que l’Eglise condamne les jeux d’argent.

Profitez de ce tableau car il est la plupart du temps dérobé à nos regards, enfermé dans un coffre du musée municipal de Saint-Germain-en-Laye. Il s’agit en effet de le protéger depuis qu’il y a été volé en décembre 1978 par un commando armé, composé notamment de Jean-Marc Rouillan, qui participera peu de temps après au commando Action Directe.

« L’escamoteur escamoté » titrera alors un journal…

Mais la toile elle-même ne trompe-t-elle pas nos yeux depuis toujours ? Attribuée au peintre flamand Jérôme Bosch, il se pourrait qu’elle soit en réalité l’œuvre de Gielis Panhedel, un peintre qui travaillait dans l’atelier de Bosch.

En réalité cette oeuvre n’est pas un tableau mais une miniature qui illustre l’un des plus célèbres manuscrits du Moyen-Âge, « Les très riches heures du duc de Berry ».

Un livre d’heures est un livre de prières destiné aux laïcs. Le duc de Berry, mécène et collectionneur insatiable, commande celui-ci à trois peintres néerlandais, les frères de Limbourg, Hermann, Paul et Jean.

Composé de 206 feuillets en vélin de 21 cm de large et 29 cm de haut (soit à peu près le format A4), il s’ouvre comme tous les livres d’heures par un calendrier illustré de scènes de la vie quotidienne.

Puis viennent les prières illustrées d’épisodes religieux.

La Nativité illustre la prière de prime, la première heure du jour. La naissance du Christ est donc associée symboliquement à la naissance d’un nouveau jour que Jésus vient éclairer de sa lumière. Regardez en effet comme la paille sous l’enfant Jésus brille comme de l’or. Surtout, des rayons lumineux, d’où semble s’échapper la colombe du Saint-Esprit, émanent de la bouche de Dieu le père et descendent jusqu’au fils :  le Verbe se fait chair. Ces rayons relient ainsi les trois formes du divin. Ce qui fait la richesse de ces « très riches heures », ce sont notamment les couleurs. Car il s’agit bien ici d’or. Quant au bleu profond que l’on trouve sur la robe de Marie, sur les anges qui tournoient autour de l’enfant ou sur ceux qui entourent en rangs serrés Dieu le père, il est composé de lapis-lazuli broyé venu du Moyen-Orient.

Derrière les rayons d’or, les artistes représentent avec minutie et précision les tours de Bethléem. Très sensibles à l’architecture, ils ont laissé de très précieux témoignages des constructions de leur temps en figurant sur les miniatures du calendrier des châteaux tels que ceux de Vincennes ou du Louvre.

Aux couleurs flamboyantes associées au divin (or, bleu et même rouge des séraphins qui entourent Dieu), s’oppose un camaïeu de brun pour le monde terrestre qui est représenté avec beaucoup de réalisme : les paysans, les animaux, l’étable, l’arbre tortueux et nu de l’hiver composent le paysage de nos campagnes médiévales. 

Les anges qui chantent à gauche ou celui qui annonce la bonne nouvelle aux paysans à droite font le lien entre le divin et l’ici-bas.

La même année, en 1416, les frères Limbourg et le duc de Berry meurent et le manuscrit reste inachevé. D’autres artistes le complèteront. Ce trésor tombe ensuite dans l’oubli avant d’être redécouvert par le duc d’Aumale au XIXe siècle. Aujourd’hui, vous pouvez l’admirer au musée Condé à Chantilly.

La vie des œuvres d’art n’est pas toujours un long fleuve tranquille… Ce chef-d’œuvre de la peinture flamande réalisé par Hubert et Jan van Eyck en 1432 est conservé à la cathédrale de Gand, en Belgique. On peut le voir aujourd’hui… derrière une vitre blindée. Et pour cause, cet objet détiendrait, selon l’historien de l’art Noah Charney, un impressionnant record : il aurait été volé 13 fois ! Mais comment peut-on dérober un retable en chêne, composé de 24 panneaux, qui mesure 3,5 mètres sur 2,2 fermé et 5,2 mètres sur 3,4 mètres une fois ouvert ? Par petits bouts, façon puzzle. Quelques exemples…

En 1794, les 4 panneaux centraux sont pillés pendant les guerres napoléoniennes et exposés au tout jeune musée du Louvre. Ils seront restitués par Louis XVIII après la défaite de Waterloo.

Lors de la Première Guerre mondiale, le chanoine de la cathédrale fait sortir discrètement les panneaux sur des charrettes pour protéger le retable des pillages allemands mais les Allemands parviennent à récupérer quelques panneaux qui seront restitués à la Belgique par le Traité de Versailles, ainsi que des panneaux qui avaient été achetés légalement par le roi de Prusse au XIXe siècle.

En 1934, des casseurs s’introduisent dans la cathédrale et s’emparent de deux panneaux. Le voleur est un bourgeois, sacristain et courtier de son état, qui demande une importante rançon. Il rend l’un des panneaux mais le second, le panneau des Juges intègres, n’a jamais été retrouvé. Il est aujourd’hui remplacé par une copie.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, Hitler s’empare du panneau central, celui de l’agneau mystique, et le fait cacher dans la mine de sel d’Altraussee en Autriche (le sel protège en effet très bien de l’humidité !) où les Monuments Men, groupe d’historiens de l’art et d’architectes américains, le retrouvent au milieu de milliers d’oeuvres d’art.

Et comme si les multiples vols ne suffisaient pas à cette histoire rocambolesque, en 1822, un feu se déclare dans la cathédrale. On évacue le retable. Le panneau de l’agneau mystique tombe et se fend pile à l’endroit où se trouve l’agneau ! Un restaurateur, dont la connaissance des animaux est assez limitée, remplace l’agneau… par un mouton.

Dans cet ensemble du XVe siècle commandé par une famille lyonnaise, les Le Viste, chaque tapisserie représente un des cinq sens : odorat, vue, ouïe, toucher et goût.
Chaque sens est mis en scène par la récurrence d’une dame, magnifiquement vêtue et parée de bijoux, et d’une licorne, dans un décor mille-fleurs peuplé d’arbres et d’animaux.
La licorne est un animal ambivalent au Moyen-Age : symbole de pureté car elle ne peut être approchée que par une jeune fille vierge, la licorne est aussi un symbole sexuel.
6 tapisseries mais seulement 5 sens… Que représente alors la sixième tapisserie (notre illustration) : serait-ce un sixième sens ? A moins que ce ne soit la synthèse de tous ?
La tente présente une devise qui est elle-même énigmatique « Mon seul désir » ou « A mon seul désir » selon que l’on considère que le A appartient à la devise ou la précède comme un I semble la suivre. La devise « mon seul désir » serait alors encadrée des initiales d’Antoine Le Viste et de son épouse Jacqueline.
La tapisserie est-elle un cadeau de mariage où se mêlent les symboles de l’amour courtois comme dans les allégories du Roman de la Rose ?
La tapisserie représente-t-elle l’intellect ? Selon Platon en effet, le désir guide nos sens dans la compréhension du monde afin d’accéder à la vérité.
Ou bien la sixième tapisserie met-elle en scène le sixième sens médiéval, le cœur ? En 1402, Jean de Gerson dans « Moralité du coeur et des cinq sens » hiérarchise ainsi les sens, du plus matériel au plus spirituel, faisant du coeur le sens le plus noble.

Le secret de la sixième tapisserie n’est pas encore levé et la dame à la licorne n’a pas fini de nous faire rêver…